martes, 8 de diciembre de 2015

Hoy se cumplen 35 años de la muerte de John Lennon.


El músico y compositor inglés John Lennon, reconocido por haber fundado y formado parte de la agrupación más famosas en el mundo, Los Beatles, nació el 9 de octubre de 1940.

Hoy se cumplen 35 años del asesinato del pacifista. Para recordarlo te presentamos 10 datos sobre su vida.

1.- Lennon nació en el Hospital de maternidad de Liverpool, hijo de Julia y Alfred Lennon. De acuerdo con algunos biógrafos, en ese momento se estaba llevando a cabo un ataque aéreo alemán y la hermana de su madre, Mary “Mimi” Smith, utilizó los destellos de luz provocados por las explosiones para poder llegar al hospital por las calles destruidas. Durante el resto de su infancia y adolescencia, vivió con sus tíos Mimi y George Smith, en Mendips, 251 Menlove Avenue, Woolton.

2.- Lennon creció con la música de Little Richard, Chuck Berry, Ray Charles, Buddy Holly y muchos otros músicos de country y del R&B. Además, estudió en la Escuela de Arte de Liverpool, donde comenzó a escuchar rock and roll estadounidense, para luego formar varias bandas antes de llegar a Los Beatles.

3.- The Quarrymen, Johnny & The Moondogs y The Silver Beetles fueron las agrupaciones en las que se hizo acompañar por sus amigos de la escuela, entre ellos Stuart Sutcliffe. En 1956 conoció a Paul McCartney, a quien invitó a unirse al grupo. Más tarde, entraron a la banda George Harrison y Pete Best, quien posteriormente fue reemplazado por Ringo Starr para conformar la alineación Los Beatles.

4.- En 1962 comenzó el éxito del cuarteto con su disco Please, please me, y un año más tarde conquistaron el mercado estadounidense al presentar With The Beatles.




En agosto de ese año se celebró la boda de John y Cynthia Powell, a quien conoció en la escuela de Bellas Artes; de este matrimonio nació Julian.

5.- Entre sus genialidades musicales tuvo la idea de grabar las guitarras dos veces, superpuestas, para lograr el extraño efecto de And your bird can sing, canción incluida en Revolver (1966).

Además, tuvo la idea de realizar en un mismo álbum una canción de un sólo acorde, basada en el "Libro Tibetano de los muertos", con loops, grabaciones al revés y toda una gama de sonidos psicodélicos, a la cual llamaron Tomorrow never knows.

6.- En 1966 conoció a la artista plástica japonesa Yoko Ono, quien además de su amante y segunda esposa, fue el gran amor de su vida. De acuerdo con los conocedores del tema, ella lo indujo a experimentar más allá de la música; la prueba fue el extrañísimo track "Revolution 9", incluido en "Los Beatles" (1968), según argumentaron algunos.

7.- Yoko fue un elemento determinante e importante en el recuento histórico de su experiencia con los Beatles, muchas especulaciones surgieron en torno a su persona. Algunas de ellas le atribuyen la separación del famoso cuarteto. A pesar de que Yoko fue el gran amor de John; durante la década de los 70 sostuvo una relación amorosa durante unos 18 meses con May Pang, quien trabajó como asistente personal del músico.

8.- La rivalidad de McCartney y Lennon tras la disolución del cuarteto se hizo evidente en canciones de John, como How do you sleep, en la que le reclamó a Paul: "Lo único que hiciste fue Yesterday.

En 1975, Yoko dio a luz a su único hijo con él, después de un aborto, llamado Sean Taro Ono Lennon. Yoko se encargó de los negocios y John se convirtió en un " amo de casa ", dispuesto a cuidar en todo momento a Sean, incluso abandonó su carrera musical.

Cinco años después, en 1980, Lennon sacó a la venta su esperado regreso musical, Double fantasy. El álbum fue un éxito, con sencillos como Woman, Beautiful boy, Starting over, Watching the wheels y la rockerísima I'm losing you.

9.- Fue tal el triunfo, que Lennon regresó al estudio para grabar un segundo álbum al hilo titulado Milk and honey. Sin embargo, una noche, al terminar de grabar con Yoko unas pistas, sobrevino la tragedia: Lennon murió asesinado el 8 de diciembre de 1980 en Nueva York, a manos de un fanático.
10.- El homicida desequilibrado, Mark David Chapman, disparó cinco veces contra Lennon, después de pedirle un autógrafo a las puertas del edificio Dakota; domicilio del artista. Dale clic y navega en la infografía de como fue el asesinato del músico por Chapman.


El asesinato de John Lennon en español completa

viernes, 4 de diciembre de 2015

Frank Zappa: Hoy se cumple el 22º aniversario de su muerte


A 22 años de la muerte de Frank Zappa, os presento un breve repaso de la trayectoria acústica de la máxima figura de la vanguardia en el rock.

“Todos sus hijos son las pobres víctimas desafortunadas de las mentiras que ustedes creen, una llaga sobre la ignorancia que aparta a los jóvenes de la verdad que merecen conocer”

(Hungry Freaks Daddy / FZ).

“Zappa fue un monstruo autodidacta de la música total, su guitarra un cuchillo filoso que rebanó y fusionó géneros con soltura, un músico, compositor y productor de cepa, un freak parrandero y conquistador en su juventud, un padre cariñoso que le dio educación y conocimientos de cultura y arte a sus hijos, un fuera de serie que se le enfrentó a la PMRC (Parents Music Resource Center) una especie de liga de la decencia norteamericana ante el Senado, quienes pugnaban por señalar al rock como “el mal mismo de la humanidad” por sus contenidos satánicos y destructivos, tomando como ejemplo la muerte de un par de despistados sin futuro que se había suicidado entre la sobredosis y la enajenación social escuchando una canción de rock. 

En 1990 el ya fallecido presidente de Checoeslovaquia, Vaclav Havel, lo nombro asesor de Comercio, Turismo y Cultura de su país, ya que lo admiraba profundamente y en Europa era muy querido, y cuando Zappa empezó a trabajar, el gobierno norteamericano le exigió a Havel que lo destituyera, en respuesta VH lo nombro asesor honorario de cultura. Fue un férreo defensor de la libertad de expresión y lucho durante muchos años por la abolición de la censura. El único que pudo con la furia y el poder musical de Frank fue el cáncer que se lo llevó a la tumba a sus 52 años el 4 de diciembre de 1993. 

Pero su legado sonoro habla por si mismo y sus letras siempre mordaces, de crítica social y política hicieron historia y marcaron huella en álbumes que quedaron en la memoria, tanto de rock como de música de vanguardia y hasta de clásica que FZ grabó en sus postreros tiempos. Frank Vincent Zappa nacio en Baltimore en 1940, entro al Salon de la Fama en 1995 y le fue otorgado un Grammy póstumo en el 97 por su trayectoria y aportación a la música. 

Zappa estuvo casado primero con Kathryn J. “Kay” Sherman del 60 al 64, terminada la relación se volvió a casar en 1967 con Gail Sloatman, con quien vivió hasta su desaparición física en 1993. Tuvieron cuatro hijos de sugestivos nombres: Moon Unit, Dweezil, Ahmet Emuukha Rodan y Diva Thin Muffin Pigeen. Desde el fallecimiento del músico, Gail Zappa coordina los negocios familiares bajo el nombre de Zappa Family Trust”. ¡¡¡Que Viva Zappa por Siempre!!! (Octavio Hernández Díaz).

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¡CUIDADO! Este álbum contiene material que una sociedad verdaderamente libre nunca temería ni suprimiría. El lenguaje y conceptos contenidos aquí garantizan no causar tormento en el sitio donde el tipo de los cuernos y tridente lleva sus asuntos. Esta garantía es tan real como la de los fundamentalistas que atacan la música rock en su vano intento de transformar América en una nación de estúpidos (en el nombre de Jesucristo). Si hay un infierno, sus llamas les esperan a ellos, no a nosotros.

Etiqueta que Frank Zappa le colocaba a sus discos en lugar de la de Parental Advisory que los golpe de pecho norteamericanos exigían se le pusieran a los disco de rock, para salvar el alma de sus hijos en peligro.

Una Bio Sonora Intensa

Ante la inmensidad de su obra -alrededor de un centenar de discos, entre oficiales, piratas y demás-, ¿qué pieza sugerirle a un joven que quiera sumergirse en la obra de Frank Zappa (1940–1993)? Yo sigo lo que me contestó su hijo Dweezil cuando le pregunté sobre la canción que más lo emocionó de su padre al escucharla por primera vez (lo más obvio era decir que “Watermelon in Easter Hay”, pero el mismo Dweezil la considera algo aparte): “Peaches in Regalia” de Hot Rats (1969), su segundo disco como solista (el primero fue Lumpy Gravy de dos años antes), en el que el multiinstrumentista Ian Underwood fue su, digamos, pincel (su secuela, Hot Rats. Waka Jawaka, apareció en 1972). 

Para la gente que imparte clases de apreciación musical, “Peaches in Regalia” resulta un ejemplo ilustrativo para enseñarle a los alumnos la arquitectura de una composición, porque cada uno de los motivos que integran la pieza tiene un colorido instrumental propio. También ejemplifica el esquema A–B–A. Otra pieza que yo sugeriría es “Take Your Clothes Off When You Dance”, en la versión original aparecida en The Lost Episodes (1996), que data de 1961, y que para mí es una bossa nova, la cual fue concebida como un rondó, cuya estructura musical es A–B–A–C–A–D–A… (“Blue Rondo à la Turk”, del Dave Brubeck Quartet, es la composición más conocida con este esquema en el ambiente no clásico; en el terreno serio se puede seguir lo que hizo Mozart en algunos de sus conciertos.)

Las líneas anteriores nos permiten ver que Frank Zappa fue un músico con una gran preparación y en su primer disco con The Mothers of Invention, Freak Out! (1966), que es una especie de manifiesto, lo deja en claro al poner entre sus influencias a Edgar Varese y aentrada 1 nuestro Silvestre Revueltas (dentro de la tradición musical estadunidense, está a la altura de John Cage). Desde esta perspectiva, solo los ignorantes lo compararían con Lennon, McCartney y sus derivados rocanroleros. Dejémoslo claro: Zappa inventó el rock progresivo y en oposición, fue el primero en concebir al grupo de rock como una orquesta, por ello la extrañeza que causó en su primera etapa que lo llevó a crear al freak, personaje que se oponía al hippie. 

En una entrevista con Jerry Hopkins (Rolling Stone. Conversaciones con el Rock Tomo I, Ayuso/Akal Editores, 1971), explica: “Hay una diferencia entre freaks y hippies. Los hippies no se preocupan por su aspecto y los freaks se preocupan un montón. Su aspecto y el montaje de su propia imagen es una parte importante de su forma de vida. Ahora bien, yo no le sugerí a los muchachos lo que debían llevar, simplemente les sugerí una forma de vestir de acuerdo con lo que hacíamos”. Amén de la parte musical, fue un vanguardista en sus letras y en su mise–en–scène siguió los preceptos dadaístas y surrealistas.

Haciendo un análisis muy general, su evolución como músico la podemos resumir en tres momentos. En el primero, los metales -saxos y trompeta- van a ser una parte medular de sus composiciones (las percusiones, herencia de su admirado Varese con su Ionización, siempre estarán presentes). El mencionado Hot Rats, Uncle Meat (1969) y The Grand Wazoo (1972) son algunos de los discos con esta dotación que deben escucharse. Los metales desaparecen en el segundo y la guitarra se vuelve el personaje principal. 

Zoot Allures (1976), Joe’s Garage Acts I, II & III, que incluye “Watermelon…”, (1979) y Shut Up ‘n Play Yer Guitar (1981) son algunos de los materiales que representan este periodo (curiosamente, Robert Fripp, de King Crimson y uno de sus pares, otros serían Irmin Schmidt y Holger Czukay del grupo germano Can, siguió casi el mismo esquema.) En su última etapa, se asumió como el compositor clásico que era y se volcó a realizar piezas orquestales y camerísticas. London Symphonie Orchestra Volume I & II (1983 y 1987), Boulez Conducts Zappa. The Perfect Stranger (1983) y The Yellow Shark (1993), resumen esta vertiente.

Otra faceta que no se puede soslayar, es el de descubridor de talentos. Haber pasado por las Madres era garantía de calidad. James William Guercio (productor de Chicago); Ian Underwood, Don Van Bliet (Captain Beefheart), Ansley Dunbar, George Duke, Adrian Belew, Dr. John, Terry Bozzio, Henry Vestine (Canned Heat) Eddie Jobson, Patrick O’Hearn, Jean Luc Ponty, Jim Gordon, Sal Marquez, Bruce Fowler, Chester Thompson, Napoleon Murphy Brock y Vinnie Colaiuta, etc, fueron algunos de los músicos que se formaron bajo su amparo.


Fallece el gran Scott Weiland, ex Stone Temple Pilots


Quien fuera vocalista de una de las bandas más populares del grunge, Stone Temple Pilots, y también de Velvet Revolver (junto a los Guns N’ Roses Slash, Duff McKagan y Matt Sorum, y Dave Krushner), Scott Weiland, ha sido hallado muerto en el autobús de gira en el que estaba viajando junto a su grupo de acompañamiento The Wildabouts.

Segun apuntan todas las informaciones, el suceso ha ocurrido en Minnesota y se está esperando un comunicado sobre las causas exactas de su muerte. El primero en confirmar la noticia ha sido su amigo y también músico Dave Navarro (Jane’s Addiction, Red Hot Chili Peppers).

Con la muerte de Weiland, son ya tres las emblemáticas e importantes voces del grunge de los noventa que desaparecen: Kurt Cobain (Nirvana, en 1994), Layne Staley (Alice In Chains, en 2002) y Weiland.

domingo, 29 de noviembre de 2015

Ian Anderson comenta que ''Stand up'' de Jethro Tull, es su disco favorito


El lider de los miticos Jethro Tull, Ian Anderson acaba de pasar por España con una ópera rock y con varios sold out en sus conciertos. El musico también ha querido comentar qué disco es su favorito de la larga discografía de Jethro Tull y, curiosamente, ese álbum será el próximo en gozar de una edición deluxe.

Anderson comenta que “creo que si me fuerzas a escoger me iría a 1969 y escogería Stand up porque es mi primer disco con canciones mías. Tiene un lugar especial en mi corazón. Me acuerdo de estar sentado en el hotel Lowe, en el Midtown de Manhattan, desayunando cuando Joe Cocker entró en la cafetería y me dijo: “Felicidades. Me acabo de enterar que habéis conseguido el número uno en Inglaterra con Stand up“. Eso fue en el verano del 69, justo cuando estábamos a punto de embarcarnos en una gira con Led Zeppelin. Creo que el lugar especial que tiene ese disco en mi corazón es porque supuso el inicio de la aventura de Jethro Tull. Pero si hablamos de lo musical también hay otras canciones y otros discos que me atraen más, como me has dicho que escoja pues lo he hecho”.

El entrevistador le comenta que Joe Satriani o Tom Hamilton, de Aerosmith, también dicen que ese disco es su favorito. Anderson indica que “y si le preguntas a Eddie Vedder de Pearl Jam te dirá lo mismo porque ese es su disco favorito. Solía ponerlo entero antes de sus conciertos, al menos eso le dijo a uno de mis roadies cuando fueron a ver un concierto suyo”.

“Creo que Joe Bonamassa escogió “A new day yesterday” para ponérsela al público antes de sus conciertos. Si ponemos este disco en su contexto tenemos que tener en cuenta que 1969 era una época en la que muchos niños experimentaron por primera vez el rock. Por eso algunos de mis más jóvenes colegas estuvieron expuestos a discos como el antedicho o Benefit, Aqualung y Thick as a brick. Creo que también hay que tener cuidado cuando hablamos de que nosotros influenciamos a esos músicos en su momento”.

Adam Jones comenta la grabación del nuevo disco de Tool


El guitarrista de Tool, Adam Jones parece seguir dando buenas noticias a los fans de la banda. Tras haber dado un concierto recientemente, Jones confirma que ahora mismo tienen “unas veinte ideas” para canciones lo que nos parece una gratísima noticia.

En una reciente entrevista comentaba que “te lo digo, es maravilloso. Las cosas están fluyendo y van muy bien. Ahora mismo estoy muy sorprendido del material que estamos componiendo. Estoy excitado y no puedo esperar a que todo esté grabado. Es algo que he echado mucho de menos”.

“Creo que la forma que tenemos de componer y de colaborar unos con otros es muy distinta porque a todos nos gustan cosas distintas. Cuando todos llegamos a un punto en el que a todos nos gusta lo que estamos haciendo creo que es algo precioso y reconfortante. Estoy muy feliz“.

“Ahora mismo tenemos unas veinte ideas que podrían convertirse en canciones. Las veinte no estarán en el disco pero seguimos ensayando. No hay nada mejor que tener un montón de buenas canciones. Simplemente escoges las mejores y ya está” sentencia.

Preguntado por si Keenan ha escuchado algo de lo que ha compuesto indica que “sí, tenemos nuestra Dropbox y estamos en contacto. Él tiene otros proyectos pero le mantenemos informado siempre. Él ha escrito algunas letras pero sigue trabajando en ello. Lo mejor es cuando terminamos una canción. No escribo los solos de guitarra hasta que la canción está terminada, necesito tener el feeling de la canción. Maynard suele escribir las letras pero hasta que la canción no está terminada no les escribe el punto final”

Randy Blythe explica por qué Lamb of God canceló su gira por Europa


El vocalista Randy Blythe ha explicado por qué su banda, Lamb of God, no harán gira por Europa. Su decisión no fue entendida, tras la lectura de un primer comunicado, y Blythe ha querido hablar más claro que nunca sobre el tema y los motivos que le llevan a no dar conciertos en el viejo continente.

“Esto es todo lo que tengo que decir y es lo último que voy a decir sobre el tema, es un periodo de tiempo. Aquellos a los que sólo les funciona la mitad del cerebro lo entenderán, el resto…bueno, ¿a quién le importa realmente lo que opinen? A mí no, desde luego”.

“Evidentemente, a ninguna banda que esté trabajando le gusta cancelar una gira, especialmente cuando esta ya está a punto de celebrarse. Los fans se disgustan, se pierde un montón de dinero por parte de varios grupos de personas, un montón de tiempo se va a la basura para todas las partes implicadas, es un mal negocio y, creedme, es un dolor en el trasero”.

“Mi grupo no tiene la costumbre de cancelar giras, a no ser que sea una emergencia familiar, seguimos adelante sin arrepentirnos de casi nada” sentencia Blythe. Debemos respetar, y respetamos lo expuesto por Randy pero seguimos pensando que estos gestos sólo ayudan a que los terroristas se crezcan y sigan pensando que el mundo es suyo. También entendemos el miedo que les puede producir ser tiroteados por un asesino suelto.

Mike Oldfield regresará con nuevo disco en 2016


La edición Deluxe del noveno disco de estudio de Mike Oldfield, Discovery verá la luz en el mes de enero, junto con la banda sonora de la película The Killing Fields de 1984 y el nuevo recopilatorio, The 1984 Suite.

Publicado originalmente en junio de 1984, Discovery incluye dos canciones que Oldfield incluyó posteriormente en el álbum Two Sides: The Lake, un reflejo instrumental del Lago Geneva y To France, una balada clásica de folk-pop que cuenta con la voz de Maggie Reilly.

Remasterizada y con caras B, esta nueva edición de Discovery se presenta en un formato Deluxe de 3 discos (2CD/DVD) e incluye The 1984 Suite, una pieza de 38 minutos que une temas de Discovery y de The Killing Fields, junto con rarezas y una versión cantada de Poison Arrows, que cambia su nombre a Zombies (Halloween Special). La edición Deluxe incluye el mix 5.1 de The 1984 Suite en DVD, junto con tres videos promocionales. Mike lanzó el video de su nuevo tema en su propia web y en su página de Facebook en Halloween. Discovery también será publicado en un CD standard remasterizado, en un vinilo de 180 gr con descarga digital y en venta digital.

El trabajo de Mike Oldfield de 1984, The Killing Fields también será publicado este enero. Oldfield fue el encargado de escribir la banda sonora de la película de Roland Joffe sobre la experiencia de dos periodistas en los “campos de la muerte” de Kampuchea. A pesar de que la música de Oldfield es sinónimo de película, esta fue y es la única banda sonora integral hasta la fecha que le hizo ganar un BAFTA y una nominación a los Globos de Oro. Remasterizado, The Killing Fields será lanzado en CD, vinilo, digital y en ediciones HD.

Igual que con otros títulos reeditados de Mike Oldfield, Discovery y The Killing Fields incluyen nuevas entrevistas con Mike en sus libretos.

The 1984 Suite

Cuando Mike Oldfield se sentó en el estudio de Nassau para mezclar Discovery y The Killing Fields en 5.1, decidió salirse de estas producciones de 1984 para crear algo nuevo. Reformando una cara B y creando un nuevo tema llamado The Royal Mile y reelaborando Poison Arrows como Zombies (Halloween Special), creó algo nuevo que, aunque incorpora material disponible previamente, era fresco y nuevo.

La música de Mike Oldfield es una de las más espirituales, etéreas, reflexivas y sensuales del rock. Oldfield creó su propio género con su trabajo de 1973, Tubullar Bells, y ha continuado creando trabajos que le han conseguido seguidores fieles por todo el mundo. Desde que el catálogo de Oldfield se movió de Virgin a Mercury en 2008, el sello ha trabajado estrechamente con él para asegurar el nivel más alto en la revisión de los masters de los años 70 y 80.

Phil Campbell de Motörhead fue hospitalizado


El pasado dia 27, el guitarrista Phil Campbell, fue hospitalizado en Alemania, provocando la cancelación del concierto que la banda ofrecería esa misma noche, en Berlín. "Le deseamos a Phil una rápida recuperación", dice el mensaje publicado en las redes sociales, sin especificar el motivo de ingreso del músico.

Lo de Campbell es uno más de los episodios desafortunados que ha vivido el entorno de Motörhead: A los ya conocidos problemas de salud de Lemmy, se sumó la muerte de Phil Taylor, uno de sus bateristas históricos, hace algunas semanas.

Tony Iommi quiere lanzar un nuevo disco con Black Sabbath


El legendario guitarrista no ocultó su frustración por la situación, privilengiándose la gira que marcará el fin del grupo. En una reciente entrrvista a un medio britanico, ha comentado:

"Tengo muchos riffs. Compuse un montón de cosas para otro álbum y nos juntamos para discutirlo. Bueno, Geezer no quería hacer otro disco", dijo el músico, agregando que "Me gustaría hacer algo con los muchachos, pero, lo que sea que pase, haré algo".

En un principio, todo apuntaba a que Black Sabbath grabaría al sucesor de "13", pero los planes cambiaron y anunciaron el tour final de su carrera, que se iniciará a fines de enero y que pretende visitar todos los rincones del mundo.

Coldplay estrena nuevo video ''Adventures of a Lifetime''


La banda británica anuncia un nuevo disco para el próximo 4 de diciembre con el título de A head full of dreams.

Este séptimo trabajo de Coldplay ha sido grabado en Malibú, Los Angeles y Londres, y producido por el dúo noruego Stargate junto al habitual colaborador de la banda Rik Simpson.

A Head Full Of Dreams incluye más colaboradores que cualquier álbum anterior de Coldplay, con Beyoncé, Noel Gallagher,Tove Lo o Merry Clayton entre los nombres que aparecen a lo largo de los 11 temas que contiene el álbum (12 si se tiene en cuenta el tesoro enterrado del tema oculto X Marks The Spot).

El primer single que ya estrenó el grupo días atrás es este Adventures of a Lifetime, que desde ahora ya tiene su correspondiente videoclip.

Coldplay - Adventure Of A Lifetime (Official video)
Here it is! The full video for Adventure Of A Lifetime, the first single from the new album, A Head Full Of Dreams (out December 4).
Posted by Coldplay on Viernes, 27 de noviembre de 2015

Musicos exigen un acuerdo para frenar el cambio climático


Varios artistas del mundo de la musica como David Bowie, Björk o Radiohead, posiblemente se reuniran en la proxima Conferencia sobre el Clima (COP21), que se desarrollará desde el 30 de noviembre en París, segun lo expuesto y exigido en una carta abierta enviada a los lideres de tal organización. Será para sumar esfuerzos y llegar a un acuerdo ambicioso en la lucha contra el cambio climático.

Piden el compromiso de limitar el calentamiento global por debajo de dos grados, así como mecanismos financieros que estimulen la creación de infraestructuras en las naciones más pobres con el fin de apoyarlas en el logro de sus compromisos referentes al cambio climático, entre otros temas.

"Nuestros sistemas económicos e industriales están acelerando tasas de extinción, desertificación, el desgaste del suelo, la degradación de los ecosistemas y la contaminación de nuestros ríos y océanos, lo que lleva a un aumento incesante en las emisiones de gases de efecto invernadero, que lleva a un irreversible cambio climático", han recalcado.

Otros de los artistas y grupos que se han sumado a esta petición son Iggy Pop, Coldplay, Robert Plant, Bobby Gillespie, Chrissie Hynde, Leona Lewis, Guy Garvey, David Gilmour, Courtney Barnett, Andrew Bird, My Morning Jacket, Jack Johnson, Damien Rice, Henry Rollins, Pet Shop Boys and KT Tunstall, así como los actores Steve Coogan y Emma Thompson.

Entre los líderes mundiales que se reunirán en esta cumbre figuran el presidente de Estados Unidos, Barack Obama; el presidente de China, Xi Jinping; y el primer ministro británico, David Cameron.

Coldplay confirma una segunda actuación en Barcelona


La ventas de entradas para el concierto de Coldplay del 26 de mayo en la ciudad condal fue tan trepidante que en menos de dos horas de lanzamiento se colgó el cartel de “sold out”. Este hecho provocó que la banda formada por Chris Martin, Jonny Buckland, Guy Berryman y Will Champion confirmara otra fecha en Barcelona. Esta cita, del 27 de mayo, también tendrá lugar en el Estadi Olímpic, y servirá para presentar una vez más en directo los temas de un álbum – “A Head Full Of Dreams” – que saldrá a la venta el día 4 de diciembre.

Las entradas para el concierto están ya a la venta a través de Livenation a un precio que oscila entre 75 y 97 euros, gastos de distribución no incluidos. Existen tres categorías de entradas de pista: las A y B de 75 euros, y la Ring de 95.

14 años sin George Harrison. Su vida en 5 canciones


El legendario George Harrison nos dejó para siempre hace catorce años. Falleció a los 58 años el 29 de noviembre de 2001 en Los Angeles, a causa de un cáncer de pulmón que hizo metástasis con el cerebro. "Abandonó este mundo como vivió: consciente de Dios, sin miedo a la muerte y en paz, rodeado de familiares y amigos", dijo la familia en un comunicado tras la muerte del guitarrista, de la que este domingo conmemoramos su decimocuarto aniversario.

Una fecha de necesaria introspección y celebración para los melómanos, con indiferencia de su mayor o menos filiación con la obra del 'Beatle tranquilo', pues Harrison es uno de los nombres fundamentales para comprender la historia de la música popular de nuestro tiempo. Por eso desde CulturaOcio queremos repasar la vida de George Harrison seleccionando únicamente cinco canciones de su extenso catálogo.

Harrison ingresó en 1958 en The Quarrymen, la precuela de los Beatles, con tan solo 15 años y gracias a la insistencia de Paul McCartney, que iba en contra de la opinión inicial de Lennon. Sin embargo, poco a poco, el guitarrista fue haciéndose con su propio hueco junto a la pareja de compositores más famosa de la historia del pop, como vemos a continuación.

 
DON'T BOTHER ME (1963)

George Harrison escribió su primera canción en el verano de 1963 mientras reposaba enfermo en la cama de un hotel de Bournemouth (Inglaterra). Fue la primera vez logró introducirse entre el tándem Lennon-McCartney y colar este tema para el álbum 'With the Beatles' (1963). "No fue una canción muy buena. La llegué a olvidar completamente una vez que estaba en el álbum. Pero me dejó claro que todo lo que tenía que hacer era perseverar y quizás algún día compondría algo bueno", llegó a decir Harrison sobre 'Don't Bother Me'


 
HERE COMES THE SUN (1969)

Ciertamente, elegir únicamente una canción de los Beatles compuesta por Harrison a partir de aquel experimento que fue 'Don't Bother Me' resulta una tarea tan titánica como desesperante, pero posiblemente 'Here Comes the Sun' sea la que más le ensalza como compositor gracias a su envolvente melodía. Fuera quedan, por tanto, otras como 'Taxman', 'While My Guitar Gently Weeps' o 'Something', por citar algunas. Pero sin reproches ni circunloquios, concretemos: 'Aquí llega el sol'.


MY SWEET LORD (1970)

Tras la separación de los Beatles, George arrancó su carrera en solitario a lo grande con el loado triple álbum 'All Things Must Pass', que contenía material sobrante de la época con la banda y nuevas canciones. Entre todas ellas destacaba claramente 'My Sweet Lord', alabanza al dios hindú Krishna que se posicionó fulminante y cómodamente en el número 1 de las listas británicas y estadounidenses. Harrison, ferviente creyente en la reencarnación, sentía en sus propias carnes el nacimiento de una nueva vida al margen de los Beatles por la que no muchos daban ni un centavo.


 
GOT MY MIND SET ON YOU (1987)

Producido por su amigo Jeff Lynne, el álbum 'Cloud Nine' fue uno de los grandes éxitos de Harrison, sobre todo gracias a la pegadiza y luminosa pieza 'Got My Mind Set On You', que se convirtió en su tercer número 1 en las listas de Estados Unidos.


 
ANY ROAD (1997)

Una de las últimas apariciones de Harrison en televisión tuvo lugar en 1997 junto a Ravi Shankar. Allí estrenó la canción 'Any Road', que formaría parte de su álbum póstumo de 2003 titulado 'Brainwashed'. Una bonita forma de recordar al 'Beatle tranquilo' como el gran compositor que era, guitarra acústica en mano.



Podeis consultar el resto de efemerides 29 de noviembre en el siguiente enlace: http://efemeridesrockmetal.blogspot.com.es/2015/11/que-paso-un-29-de-noviembre.html

viernes, 27 de noviembre de 2015

Jimi Hendrix cumpliria hoy 73 años


Jimi Hendrix conocido como el mejor guitarrista de todos sus tiempos, le recordamos hoy 27 de noviembre a 73 años de su nacimiento, siendo uno de los referentes musicales más conocido de todos los tiempos.

Jimi Hendrix nació el 27 de noviembre de 1942 en el King County Hospital de Seattle en el estado de Washington, Estados Unidos, de madre de orígenes nativo americana y padre afroamericano, con el nombre de Johnny Allen Hendrix. Le cambiaron el nombre por el de James Marshall Hendrix en memoria del hermano fallecido de su padre Leon Marshall Hendrix.

El pequeño Jimi pasó sus primeros años en un barrio muy humilde y tuvo una infancia marcada por el divorcio de sus padres avenido cuando éste tenía apenas 9 años; como consecuencia, fue otorgado en tutela a su abuela paterna Nora Rose Moore, en ese entonces la única persona en grado de garantizarle un mínimo de estabilidad.

Su primer instrumento fue una armónica a los 4 años. Obtuvo su primera guitarra acústica a los 14 años por cinco dólares a un conocido de su padre, reemplazando el ukelele de una sola cuerda que su padre había encontrado limpiando un garaje. Aprendió practicando constantemente, mirando cómo tocaban otros músicos más experimentados como B.B. King; entre otros. En 1958, el año en que muere su madre, su padre le compró su primera guitarra eléctrica, una Supro Ozark roja, aunque sin amplificador, con la que tocó en varias bandas locales. 

Ese mismo año su única calificación baja en la escuela fue una F en clase de música. Poco interesado en la escuela, que dejaría antes de graduarse, Jimi comenzó a dedicarse tempestivamente a la música: sus puntos de referencia, además del ya nombrado BB King y del pionero del blues rock, Eric Clapton, fueron guitarristas de la escena del blues de Chicago como Elmore James, Muddy Waters o Albert King, por no hablar de leyendas del más sobresaliente delta blues, como Robert Johnson, Leadbelly, y del rock and roll como Chuck Berry.

En los inicios de la década de 1960, a causa de algunos problemas con la ley, se vio obligado a elegir entre un periodo de reclusión o el alistamiento militar; elegida la segunda opción, Hendrix es alistado el 31 de mayo de 1961 en la 101st Airborne Division y enviado a Fort Campbell, en Kentucky, después de un breve adiestramiento. 

Su aventura en los rangos militares duró muy poco; frustrado por la rigidez del ambiente e intencionado a dedicarse a la música, Jimi Hendrix decide poner punto final a su periodo bajo las armas, visitando varias veces al psicólogo del ejército declarando ser homosexual. Tomando en cuenta algunas entrevistas dejadas por Hendrix a propósito, en cambio, parece que con el fin de obtener la baja adujo problemas en la espalda producto de un salto en paracaídas.

Una vez obtenida la baja, “Buster” (como le conocían muchos amigos y familiares) fijó su residencia en las cercanías de Clarksville, en Tennessee. Comenzó a actuar en público en 1962 con el grupo formado junto a su amigo Billy Cox, los King Casuals. El grupo comenzó a presentarse en locales de la zona hasta que la formación entera decidió trasladarse a Nashville. La actividad del grupo se desarrollaba esencialmente en locales de la zona de Jefferson Street, tradicionalmente considerada el corazón de la comunidad afroamericana de Nashville y conocida por la intensa escena rhythm and blues que en aquel periodo se estaba desarrollando; este ambiente propició e influenció las primeras experiencias “en vivo” de Hendrix.

Durante los tres años siguientes Jimi llevó una vida errática, formando parte en la gira del llamado Chitlin’ Circuit y convirtiéndose en una presencia fija mediante una interminable serie de exhibiciones, tanto de guitarrista de los King Casuals como en grupos de soporte para un gran número de músicos blues, rhythm and blues y soul como Chuck Jackson, Slim Harpo, Tommy Tucker, Sam Cooke y Jackie Wilson. El periodo transcurrido en el Chitlin’ Circuit resultó fundamental para su formación musical y estilística; en este contexto Hendrix definió su actitud y consolidó su conocimiento de las raíces del blues.

Una vez terminado con lo que más tarde se reveló ser su periodo de aprendizaje, en un intento de dejar atrás el contexto de racismo y degradación que había encontrado en el sur del paísnorteamericano, Hendrix decide trasladarse a Nueva York. En enero de 1964, el guitarrista se muda al barrio de Harlem, donde consolidó una estrecha amistad con los gemelos Arthur y Albert Allen (hoy día más conocidos como Taharqa y Tunde-Ra Aleem). 

La amistad con los gemelos Allen pronto resultó ser fundamental y destinada a durar en el tiempo, como demuestran algunas colaboraciones en la última parte de la carrera de Hendrix en el interior de sus grabaciones (un ejemplo puede ser considerada Freedom, en la cual los gemelos Allen se ocuparon de los backing vocals acreditados con el nombre de Ghetto Fighters).



 
También resultó fundamental la relación con aquella que más tarde se convertiría en su novia, Lithofayne “Fayne” Pridgeon. Fayne procuró de hecho todo tipo de soporte humano y logístico a Hendrix y se reveló esencial también en su inserción en la escena local gracias a sus conocimientos del ambiente musical underground de Harlem.



La llegada al éxito se produjo en 1964, cuando Hendrix fue reclutado como guitarrista de la banda de los Isley Brothers para una gira a través de todo Estados Unidos, incluidos los locales del Chitlin’ Circuit. Fue justamente durante aquel periodo cuando tuvo la ocasión de tocar en grabaciones de estudio el tema Testify, sencillo que poco después se convertiría en un éxito radiofónico.





Entre 1964 y 1965 comenzó para Hendrix una interminable serie de idas y vueltas desde una banda a la otra: en Nashville dejó a los Isley Brothers para sumarse como guitarrista al grupo de Gorgeous George Odell; llegado a Atlanta formó parte de los Upsetters, entonces grupo soporte de Little Richard donde también militaba el célebre baterista Earl Palmer quien se anticipó al estilo funk. 

No obstante Little Richard fuese por aquellos tiempos uno de los ídolos de Jimi, ambos entraron en diferentes conflictos durante el tour por las razones más disparatadas; la mayoría se debía a la escasa tolerancia del cantante hacia la teatralidad escénica de Hendrix. Por un breve periodo, Hendrix se separó del grupo de soporte de Richard para seguir en tour a Ike y Tina Turner: pero poco alcanzó, alimentada de las usuales acaloradas actuaciones del guitarrista, para inducir a los dos artistas a reenviarlo a su anterior grupo. De todos modos, la aventura con la banda a la espalda de Little Richard concluiría a los pocos meses, cuando Hendrix fue despedido por haber perdido el tour bus a Washington D. C..

En 1965 Hendrix se unió a la banda neoyorquina Curtis Knight and the Squires, después de haber conocido a Knight en el hall de un hotel —clase media— en el cual ambos habían encontrado hospedaje. Siguió un tour de dos meses con Joey Dee and the Starliters antes de regresar nuevamente con los Squires en Nueva York. Finalmente el 15 de octubre de 1965 Jimi obtiene un contrato discográfico de tres años de duración con Ed Chaplin, un empresario al que se comprometió a darle 1 dólar y el 1% de regalías sobre las grabaciones con Curtis Knight. 

No obstante 13 años más tarde la colaboración con Chaplin fue concluida, el contrato fue apelado con éxito por parte del empresario causando no pocos problemas a Hendrix hasta su resolución. Durante una breve estancia en Vancouver, al parecer Hendrix tocó con Bobby Taylor & the Vancouvers, bajo contrato con Motown y con Taylor y Tommy Chong (de los Cheech and Chong fame). Chong, de todos modos, afirma que tal episodio nunca existió y sostiene que el hecho viene atribuido a la tendencia de Taylor a agrandar las cosas.

No obstante la inestabilidad del periodo, todas las errabundas experiencias que le vieron protagonista le sirvieron de aprendizaje, permitiéndole enriquecer interiormente su considerable bagaje guitarrístico.

En 1966 Hendrix formó su primer grupo bajo el nombre de Jimmy James and the Blue Flames, con una variada formación, incluidos diversos conocidos suyos reclutados en el Manny’s Music Shop; entre ellos un intrépido californiano de 15 años llamado Randy Wolfe. Habiendo dos Randy en el grupo, Hendrix resolvió la cuestión rebautizando Wolfe Randy California a uno y al otro Randy Texas. Randy California sería más tarde co-fundador de Spirit junto a Ed Cassidy.

Durante esas épocas comenzó a consumir marihuana y LSD, como la gran mayoría de músicos y artistas del momento.


Hendrix y su nuevo grupo llamaron fácilmente la atención de una Nueva York todavía distante de los sonidos y rumores de la revolución cultural y musical que estaba por explotar sobre la costa opuesta del país. Fue durante las exhibiciones en el Cafe Wha? ubicado sobre la MacDougal Street en el Greenwich Village, que Hendrix conoció a la cantante y guitarrista Ellen McIlwaine y al guitarrista Jeff “Skunk” Baxter. Fundamental, en el mismo periodo, fue el conocimiento de Frank Zappa; la leyenda quiso que fuera justamente Zappa a instruir a Hendrix sobre las prospectivas que ofrecía un efecto para guitarra de un nuevo producto destinado a ser famoso: el wah-wah.

El 1966 fue el año del giro definitivo para Hendrix: durante una noche en el Cheetah Club, ubicado sobre la West 21st Street, el guitarrista conoció a la entonces novia de Keith Richards, Linda Keith. Los dos se hicieron rápidamente amigos y Linda se esforzó para presentarle a Andrew Loog Oldham, mánager de The Rolling Stones, y al productor Seymour Stein.

Ninguno de los dos recogió una impresión positiva del encuentro y —con gran desilusión de Hendrix— toda prospectiva de inserción se esfumó. Lejos de perder los ánimos, Linda insistió en presentarlo a Chas Chandler, en la época bajista del grupo The Animals. El encuentro esta vez resultó fructuoso.

En aquel periodo Chandler se encontraba próximo a concluir su historia con los The Animals y estaba en busca de detalles para redefinir su propia situación como productor y mánager; después de un breve encuentro, Chandler comprendió que Hendrix tenía buenas perspectivas por delante y se convenció a sí mismo del hecho de que una versión de un blues de Billy Roberts, «Hey Joe», propuesta según el estilo agresivo con fuzz que el guitarrista le había ilustrado podía convertirse en un sencillo de lanzamiento.

Hendrix se esforzó en buen grado para elaborar una versión propia de «Hey Joe»; el resultado entusiasmó a Chandler hasta el punto de inducirlo a llevar al guitarrista a Londres para firmar un contrato con el soporte del mánager saliente de The Animals, Michael Jeffrey. El paso sucesivo tenía que ser el de acercarle algunos músicos adecuados al nuevo sonido que tenían en mente.

Después de algunas audiciones se decidió en estructurar la formación sobre un modelopower-trio (en la época muy de moda, visto también el éxito de los entonces recién nacidos Cream) y los personajes elegidos para ese fin, ambos ingleses, fueron el guitarrista Noel Redding, relegado al bajo y el pirotécnico baterista Mitch Mitchell.

Había nacido la Jimi Hendrix Experience.


El sonido del trío se reveló como una novedad absoluta; desde las primeras exhibiciones en Europa, las visionarias escaladas sonoras de Hendrix sostenidas por la furiosa batería de Mitchell y de las líneas esenciales del bajo de Redding, crearon enorme impresión en el mundo de lamúsica londinense, dando vida a un pasaje de voz sin precedente entre los artistas y grupos que animaban la escena del Swinging London en aquel entonces.

La salvaje actitud “en vivo” del guitarrista creó suspiros angustiosos en artistas ya afirmados como Eric Clapton y Jeff Beck de los Yardbirds, y el aura que lo acompañaba le permitió muy pronto entrar en el panteón de la música rock de la época, al punto que los músicos de The Who se empeñaron en que Hendrix aceptase una propuesta de su discográfica, la Track Records.

El primer tema ofrecido a la prensa fue justamente «Hey Joe», retocado un poco con respecto a las intenciones iniciales debido a la salida de la versión del cantante folk Tim Rose, pero siempre adecuado al estilo de Jimi.


 

En el lado B del sencillo se encontraba «Stone Free», un blues de tono grave, áspero y alucinado elegido entre sus primeras composiciones.



 
La respuesta de las ventas fue notable y vino confirmada por los dos temas que le siguieron: «Purple Haze»



 
y «The Wind Cries Mary»;


 

las canciones en cuestión se volvieron pilares importantes en los fogosos actos en vivo del grupo, acompañadas de clásicos del blues como «Killing Floor» de Howlin’ Wolf (con el que normalmente abrían sus conciertos),




«Rock Me Baby» de B.B. King





y «Wild Thing» de The Troggs.



En mayo de 1967, Are You Experienced? obtuvo una excelente respuesta de ventas en el viejo continente, interrumpiendo su propio ascenso al segundo lugar en la lista de éxitos británica por detrás de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de The Beatles. De todos modos, la Experience estaba en busca de la ocasión perfecta para desembarcar en Estados Unidos, donde aún era desconocida.

La ocasión se presentó en junio de 1967, cuando el grupo fue invitado —por medio de Paul McCartney a la histórica edición del Monterey International Pop Festival celebrado los días 16, 17 y 18 de junio de aquel año y generalmente considerado el evento de arranque del llamadoVerano del amor que popularizó al movimiento hippie en el mundo. La oportunidad se reveló extremadamente favorable para Hendrix: además de la importante repercusión que el evento tendría en todo el país norteamericano, su actuación sería inmortalizada en el documental que devendría tiempo más tarde del festival. 


La Experience no dejó escapar la ocasión y realizó una de las exhibiciones más aclamadas del evento, además de una entre las mejores de sus actuaciones en directo. En 40 minutos de concierto, Hendrix utilizó su Stratocaster en un modo hasta ese momento jamás visto, llegando a hacer mímica de actos sexuales, hacerla sonar con los dientes, por detrás de la espalda, contra el soporte del micrófono y hasta contra su amplificador causando un acople ensordecedor. Al término de la exhibición, le dio fuego con gas líquido para encendedores y la destruyó contra el palco y amplificadores.

Los restos de la guitarra que Hendrix destruyó aquella noche fueron recuperados y actualmente están expuestos en el Experience Music Project di Seattle.

La salvaje actuación del trío tuvo un enorme eco en todos los Estados Unidos, preparando así el terreno al suceso que vendría acogido tanto en las exhibiciones en directo del guitarrista como en sus lanzamientos discográficos.

El año 1967 vio la salida del sucesor de Are You Experienced?, titulado Axis: Bold as Love, igualmente marcado por la poderosa vena ácida y experimental de su antecesor, pero caracterizado por sonidos menos ásperos y más cercanos al funk de James Brown, Blues y Rhythm and Blues.

Con Bold as Love Hendrix proseguiría con su búsqueda sonora, experimentando con variaciones sobre los dos canales de salida estéreo, obteniendo resultados sonoros absolutamente innovadores. El disco fue además íntegramente grabado con la afinación de la guitarra disminuida medio tono, característica destinada a convertirse en estándar en la producción del guitarrista.

El disco es además para recordar por los traspiés que lo acompañaron en las fases previas a su salida.

Sucedió de hecho que Hendrix olvidó la cinta original, ya remezclada de la cara A del disco, en el asiento posterior de un taxi, sin ningún modo de recuperarlo. El hecho constituía un serio problema ya que estos debían haber sido entregados poco tiempo después para la impresión del LP; toda la cara A del trabajo tuvo entonces que ser remezclada a partir de los multitrack del bajo en una única noche de trabajo. Hendrix y su histórico técnico Eddie Kramer afirmarían poco tiempo después no estar completamente satisfechos con el resultado.

Hubo otros contratiempos relacionados con el diseño de la portada: a causa de un absurdo malentendido, el pedido de Hendrix para que el tema se enfocase sobre sus orígenes indígenas —refiriéndose a las tribu de piel roja nativas de Norteamérica— vino totalmente confundida por parte del estudio gráfico británico que se encargaba, y el resultado fue una portada en la cuál Hendrix, Redding y Mitchell lucen los vestidos de las deidades hindúes Durga y Visnú.

De todos modos, el álbum resultó todo un éxito, logrando aumentar considerablemente las solicitudes para actuaciones en vivo de la banda y llevando a la Experience a tocar en recintos cada vez más amplios. 

Lamentablemente, la gira no logró acabar de forma positiva: mientras el grupo se encontraba en Escandinavia por algunos compromisos, la noche del 4 de enero de 1968 Hendrix es arrestado en Estocolmo después de haber devastado una habitación del hotel a causa de las drogas y el alcohol.

La gestación del último LP de estudio de Hendrix, el álbum doble Electric Ladyland, no fue menos problemática que la de Bold as Love. Ya durante las primeras fases de las sesiones Hendrix tuvo que aceptar el abandono por parte de su histórico productor Chas Chandler, literalmente irritado a causa de los numerosos desencuentros con el guitarrista. 

Su modo de concebir los temas y las grabaciones era totalmente opuesto; si Chandler optaba por tener unos temas convencionales y de duración no superior a cinco minutos, Hendrix rebatía con su estilo absolutamente heterodoxo, tanto en la concepción de las canciones como en sus grabaciones. La influencia de Chandler es evidente en los dos primeros LP de la Jimi Hendrix Experience, donde raramente un tema supera los cuatro o cinco minutos, siguiendo la tradición pop. Al contrario, Electric Ladyland presenta arquitecturas perfectamente en sintonía con el estilo ácido y visionario de Hendrix, compaginando partes breves con larguísimas jam sessions caracterizadas por enormes espacios instrumentales, modalidades notablemente psicodélicas.

La segunda causa de la dimisión de Chandler, puede encontrarse en la indisciplina que Hendrix manifestaba en las sesiones de grabación: mientras Chandler era de la idea de que las grabaciones debían producirse en un breve espacio de tiempo y con todas las ideas en su lugar, Hendrix tendía a dejarse caer en infinitas jam sessions de prueba y afinación con los músicos que le acompañaban, elaborando, re-elaborando, modificando y ampliando aquellas que eran sus ideas de fondo en una continua espiral de creatividad; la mayor parte de las veces sabiendo desde dónde partir pero no a dónde llegar, dejándose guiar únicamente por el instinto. 

Las sesiones preparatorias para Electric Ladyland estuvieron marcadas por la presencia de numerosos músicos adicionales que iban y venían de los estudios de prueba sin ningún criterio aparente; así fue que a los tres instrumentistas de Experience, se sobrepusieron el célebre tecladista Al Kooper, el baterista Buddy Miles además de Jack Casady, bajista de los Jefferson Airplane y Steve Winwood de los Traffic.

No resulta extraña pues, la increíble cantidad de material inédito y alternativo grabado por Hendrix, a pesar de su brevísimo período de actividad, y que puede atribuirse perfectamente a este continuo hacer y deshacer.

Otro aspecto que pudo provocar también el fin del equilibrio fue el exagerado perfeccionismo de Hendrix. El guitarrista, además de exigir cantidades, hasta ese momento impensables, de variaciones de los temas, solicitaba también a sus músicos y técnicos grabar nuevas tomas de las partes de una canción un número indeterminado de veces, en espera de encontrar que la alquimia que éste retuviese fuese la adecuada; la historia quiso que el tema «Gipsy Eyes» fuese registrado en bien 43 versiones diferentes antes de que Hendrix encontrara una de su agrado.
Chas Chandler no fue la única víctima de los ya conocidos “arranques” del guitarrista. El bajista Noel Redding estaba también desesperado por las modalidades de trabajo impuestas por Hendrix. No era raro, de hecho, que el bajista abandonase el estudio de grabación para calmarse luego de la enésima ira con Hendrix, y que a su retorno la línea de bajo estuviese grabada por manos del propio guitarrista durante su ausencia.

La última exhibición británica de la banda tuvo lugar el 24 de febrero de 1969 en la Royal Albert Hall de Londres, con dos apariciones que dejaron el “todo lleno”. Los dos conciertos fueron además registrados y filmados con fines documentales para una producción Gold & Goldstein que debería haber sido titulada Experience. Las cintas son aún hoy inéditas.


La frustración de Noel Redding derivaba también del hecho de no sentirse a gusto en el rol de bajista, siendo él un guitarrista, resale al 1968 la formación de su propia banda, los Fat Mattress, que en diversas ocasiones cubrió incluso el curioso rol de banda soporte de la mismísima Experience. 

A todo esto había que agregar el sufrimiento por la creciente histeria que puntualmente acompañaba los recitales de la Experience: su última exhibición en absoluto, el 29 de junio de 1969 en el Bob Fey’s Denver Pop Festival, estuvo marcada por desencuentros y actos de violencia entre el público, y las fuerzas del orden tuvieron incluso que recurrir a gases lacrimógenos para volver a tomar el control de la situación; con los tres miembros del grupo obligados a huir encontrando refugio en el acoplado de un camión asediados por los fans. La ruptura con Redding fue oficializada al día siguiente.



Además de la disolución de la que fuese su banda original, Hendrix aquel año tuvo que hacer frente a una serie de controversias legales que lo implicaban en la sede penal y civil; el 3 de mayo de1969 el guitarrista fue arrestado en el Pearson International Airport de Toronto luego de haberle encontrado hachís y heroína en su poder. 

Durante el proceso Hendrix logró convencer a la corte declarando el hecho de no saber en qué modo las sustancias habían terminado en su equipaje, enfocándose en la tesis de una acción externa. En la sede civil, en cambio, el guitarrista se encontró teniendo que tratar con algunos problemas legales conectados a la disolución del contrato escrito en favor de Ed Chaplin en 1965: el hecho fue resuelto amistosamente, con la disponibilidad del guitarrista a registrar un LP bajo su régimen de producción.

El festival de Woodstock de 1969 fue seguramente uno de los eventos más representativos por el ingenio colectivo acarreado a la música de los años 1960 y al movimiento flower power. En éste contexto, la actuación de Jimi Hendrix se convirtió en un verdadero y propio símbolo del festival, además del pensamiento pacifista de aquellos años. La exhibición del guitarrista estaba programada para el cierre del evento, la noche del 18 de agosto de 1969, tercero y último de aquellos “tres días de paz, amor y música”. 





A causa de problemas técnicos y logísticos que se verificaron, por no contar con la violenta lluvia que se abatió sobre la zona en mitad del segundo día (durante la actuación de los pioneros en improvisar en el rock, Grateful Dead), su presentación debió ser re-programada para la mañana siguiente. La inmensa cantidad de fans de los tres días anteriores (más de 500.000 espectadores) se había reducido considerablemente y Hendrix terminó cerrando el recital delante de una audiencia (respetable pero decididamente inferior a las expectativas) de aproximadamente 180.000 espectadores, exhaustos y en muchos casos incluso distraídos y desganados.

El guitarrista se presentó sobre el palco con una formación inédita, anunciada por el presentador como Jimi Hendrix Experience, pero rápidamente vuelta a presentar por el mismo Hendrix como Gipsy Sun and Rainbows: prosiguió una exhibición de dos horas (en absoluto entre las más largas de su carrera). El hecho que más sobresalió en aquella histórica exhibición, fue la celebérrima transfiguración guitarrística operada sobre el tema “The Star-Spangled Banner”, himno de los Estados Unidos; Hendrix interpretó el tema en una manera salvaje mezclándolo con feroces simulaciones sonoras de bombardeos y ametrallamientos sobre los barrios de Vietnam, sirenas anti-aéreas y otros ruidos de batalla, todo únicamente usando su guitarra.




 
La realidad de los hechos, queda aún en una extrema controversia sobre el significado que Hendrix quiso dar a aquel modo de proponer el himno nacional estadounidense. Si bien su razón sea más bien clara, hay que decir que desde hacía un año aquella versión de «The Star-Spangled Banner» era propuesta en vivo y el mismo Hendrix se mostró siempre misterioso sobre el tema: en una entrevista sobre el festival de Woodstock el guitarrista se declaró desinteresado a las cuestiones políticas, y a una pregunta más precisa —formulada durante el Dick Cavett’s Show— sobre el porqué de su versión tan poco ortodoxa del himno norteamericano Jimi respondió muy tranquilamente “¿Poco ortodoxo? No lo sé, a mí me pareció hermoso”.

Algunas teorías de que Hendrix fuese de hecho favorable a la intervención bélica en Vietnam quedan totalmente de lado no solo al tomar en cuenta la transfiguración del himno efectuado en Woodstock, sino más bien al escuchar el tema “Machine Gun“, contenido en su último LP Band of Gypsys, una explícita canción de protesta en contra de la guerra.  



 
El 18 de septiembre de 1970, en Londres (Inglaterra), a los 27 años, James Marshall Hendrix falleció debido a una mezcla de somníferos y alcohol y, al parecer, murió por aspiración de vómito. Esa noche estuvo hasta tarde en una fiesta, y su novia, Monika Dannemann, fue a recogerlo y lo dejó en su apartamento en el Hotel Samarkand.

Monika Dannemann asegura original que Hendrix cogió nueve pastillas que le recetaba su médico para dormir, y los médicos atestiguan que el vómito fue provocado por la ingesta excesiva de alcohol.
Años después, tras las investigaciones, se supo que, en realidad, Jimi no había muerto en ese momento, sino que cuando lo llevaban en la camilla necesitó girar la cabeza para poder vomitar en el suelo y el camillero colocó su cabeza sobre la camilla causando así su atragantamiento y fallecimiento.

Actualmente se tiene una nueva teoría sobre la muerte de Jimi Hendrix, proporcionada por uno de los asistentes (roadies) del músico llamado James Wright, el cual redacta en su libro Rock Roadie (2009) que la muerte del artista se debió a que su representante, Michael Jeffery, lo asesinó haciéndole tomar pastillas y vino, ya que iba a despedirlo.

Ya muerto el músico, Michael Jeffery podría cobrar el seguro de vida del artista, seguro cuyo beneficiario sería el mismo representante. James Wright explica que todo lo que sabe se lo confesó Michael en una noche de copas, poco antes de morir en un accidente aéreo.

También se considera a Jimi Hendrix miembro del llamado “Club de los 27” ya que murió, al igual que otros músicos, a la edad de veintisiete.



miércoles, 25 de noviembre de 2015

Jose Andrëa Y Uróboros anuncian el primer adelanto del nuevo disco


Jose Andrëa  tras salir de la recuperación de los problemas de salud, y que le hicieron bajarse forzosamente de los escenarios,  regresa con más fuerza que nunca al frente de Uróboros.

Su nuevo disco ''Resurrección'', sale a la calle el 11 de diciembre, pero ya se puede escuchar el primer adelanto del mismo en forma del tema que da nombre al disco:

The Cure presentan gira por España para noviembre de 2016


Tres ciudades, Madrid, Bilbao y Barcelona serán las que acogerán la gira europea de The Cure que se ha dado a conocer en las últimas horas. Un total de 30 conciertos en 17 países de Europa el próximo otoño, su primera gran gira por Europa desde el 2008.

Domingo 20 de noviembre 2.016
Barclaycard Center
MADRID

Jueves 24 de noviembre 2.016
BEC
BILBAO

Sábado 26 de noviembre 2.016
Palau Sant Jordi
BARCELONA
ENTRADAS A LA VENTA

Jueves 3 de diciembre a las 10h en: Ticketmaster, El Corte Ingles y web Live Nation

Preventa: LiveNation.es desde el martes 1 de diciembre a las 10h hasta el jueves 3 de diciembre a las 9h
Precios

PL1 75€ + gastos
PL2 65€ + gastos
PL3 55€ + gastos
PL4 45€ + gastos

Bunbury MTV Unplugged, se estrena el proximo 26 de noviembre


El proximo jueves 26 de noviembre a las 23:30 horas se estrenará en exclusiva en España Bunbury: MTV Unplugged, el concierto acústico que el músico aragonés grabó el pasado mes de septiembre en México.

Se trata de un viaje por la carrera musical de Bunbury con colaboraciones de compañeros como Vetusta Morla, el ganador de varios premios Grammy y Grammy Latino, Carla Morrison, Pepe Aguilar, Draco Rosa y el líder del grupo mexicano Zoé, León Larregui.

Junto a su banda y sus invitados especiales, Enrique Bunbury repasó sus treinta años de andadura musical, con un repertorio que incluye canciones de su extensa trayectoria en solitario, pero que tampoco se olvida de sus años al frente de Héroes del Silencio.

Aquella noche sonaron Ahora, Dos clavos a mis alas, La sirena varada, Los inmortales, E El boxeador (Ft Draco Rosa), El camino del exceso, Planeta sur (Ft Vetusta Morla), Hay muy poca gente, Porque las cosas cambian (Ft Carla Morrison), Avalancha, Ven y camina conmigo (Ft Pepe Aguilar), Mar adentro, Más alto que nosotros sólo el cielo, La chispa adecuada (Ft León Larregui) y Doscientos huesos y un collar de calaveras.

"Cuando me propusieron realizar un MTV Unplugged, me sentí halagado. La lista internacional de artistas que grabaron en el pasado, es abrumadora. Pertenecer a ese club exclusivo de músicos con largas trayectorias que se enfrentaron al mismo reto que me ofrecían, era en sí mismo intimidante", explicó Bunbury días atrás en un comunicado.

En esta línea, añadió que este no es un disco recopilatorio de grandes éxitos. "Ni es un disco acústico de músicos desenchufados frente a la chimenea. He buscado entre mi repertorio una selección de canciones que me apetecía replantear. No abarco mis treinta años de carrera de forma equitativa y justa. Algunas no las tocaba hacía años y pertenecen a mi primera década en la música", señaló.

Además, apuntó que quiso añadir un tema que no aparece en ninguno de sus discos y que permanecía inédito: Dos clavos a mi alas. "Y aunque me lo pidieron, no hay covers. La instrumentación es orgánica y vintage. Hay guitarras acústicas, piano, percusión y batería; pero también procesamos algunos sonidos, utilizamos sintetizador mini moog, mellotron, dobro, guitarras tenor y barítono", desveló.

"Llamamos a algunos amigos importantes para que nos acompañaran con sus voces, talento y buen hacer. Pensando en ellos por la canción que les iba como anillo al dedo. Y no al revés, cuando se cocinan los duetos desde los despachos. Agradezco a Draco, León Larregui, Carla Morrison, Pepe Aguilar y Vetusta Morla, tenerme en consideración, y aceptar pacientes los ensayos, las esperas interminables, más ensayos y grabación", concluyó en comunicado.


MTV Unplugged: El libro de las mutaciones, estará a la venta a partir del viernes 27 de noviembre en CD+DVD, vinilo, Blu-Ray y formato digital. Pero antes tendrá un estreno en el canal de televisión musical tanto en España como en América.

Así las cosas, el directo podrá verse ya este miércoles 25 de noviembre a las 23:00 horas en México, Colombia y Argentina. El jueves 26 de noviembre será turno para España a partir de las 23:30 horas, y para Estados Unidos desde las 22:00 horas (siempre hora local).

Para presentar este nuevo trabajo, Bunbury saldrá de gira en 2016 por América y España. Aunque el anuncio ya es oficial, todavía no se han confirmado las fechas y ciudades.


Cynthia Robinson, cofundadora y trompetista de Sly and The Family Stone fallece a los 69 años


La que fuera cofundadora, trompetista y corista del grupo de soul y funk Sly and The Family Stone, Cynthia Robinson, ha fallecido a los 69 años, después que fuera diagnosticada con cáncer a principios de este mismo año, tal y como confirma la página oficial de la artista en Facebook.

Nacida en 1946 en Sacramento (California, Estados Unidos), Robinson se unió a mitad de los sesenta a la primera banda de Sly Stone, llamada The Stones, que después pasó a ser Sly Stone and The Family Stone, tal y como recuerda Consequence of Sound.

Su voz y su trompeta puede escucharse en todos los discos que la banda grabó desde 1967 hasta 1974. Tras su separación, siguió trabajando con Sly Stone, así como con el bajista Larry Graham y otros artistas como Prince y George Clinton. Con el paso del tiempo, actuó también con The Family Stone, un grupo en el que había viejos miembros del combo original.


Robinson entró en el Rock and Roll Hall of Fame en 1993 junto a los otros miembros de Sly and The Family Stone, convirtiéndose así en la primera mujer trompetista afroamericana que obtenía tal reconocimiento.